martes, 19 de noviembre de 2013

Ruby Sparks de Jonathan Dayton y Valerie Faris. (2012)


  
Ruby  Sparks es una película hecha a la medida de las parejas más tradicionales enamoradas del amor y con pocas ganas de enfrentarse al hecho de que las relaciones son mucho más complicadas que los cuentos estereotipados que Hollywood nos presenta. Sin restarle originalidad a la obra que aborda el argumento desde un punto de vista un tanto diferente, podemos afirmar que nos encontramos ante una sosa cinta de sobremesa.
   Un joven escritor que todavía vive de la fama que le dio un libro escrito diez años antes se encuentra aquejado del síndrome del folio en blanco y a pesar de sus continuas visitas al psicólogo, el apoyo de una inusual familia y las presiones de su representante, no consigue escribir una sola línea que de paso a una historia que funcione. Pero una noche, tras soñar con una joven y sensual muchacha que lo acepta tal y como es, todo cambia, empieza a escribir de forma compulsiva y obsesiva creando un mundo a la medida de los protagonistas que contienen gran parte de su personalidad. La dependencia de su libro se hace cada vez más fuerte hasta el punto de que, un buen día, Ruby, la protagonista del libro ,se materializa en su casa interpretando el papel de su novia. Y esta chica, no es una chica cualquiera si no exactamente la mujer perfecta, la mujer de sus sueños que él mismo había construido con su máquina de escribir. La sintonía entre ambos es perfecta, todo marcha sobre ruedas pero los sueños al igual que la vida real no son infinitos y todo llega a su fin. Una relación hay que protegerla, cuidarla, alimentarla. Unas cuántas palabras no pueden controlar la complejidad humana y el escritor acostumbrado a dominar a su personaje con el simple toque de sus teclas no conseguirá retener a su lado a la mujer que ama. Un muchacho acomplejado por su anterior relación demostrará una vez más que no todo depende de las otras personas y que una parte de la culpa de su fracaso sentimental forma parte de su personalidad egoísta y taciturna que no consigue llegar al fondo del alma de su media naranja.
Silvia

lunes, 4 de noviembre de 2013

SIETE PSICÓPATAS (Seven psychopaths) – Martin McDonagh, 2012


Marty (Colin Farrell) es un guionista de cine, irlandés y con problemas de alcoholismo, que trata de escribir un guión sobre siete psicópatas, personas que le parecen sumamente interesantes hasta que empieza a relacionarse con ellas y vienen los problemas, porque como le dice uno de ellos, una vez que los conoces ya no son tan divertidos.
El más chalado de todos los psicópatas será precisamente su mejor amigo, que intentando ayudarle a que escriba un  buen guión y deje de beber lo meterá en líos e introducirá a los psicópatas en su vida. Una de las obsesiones de este amigo será el gran final, para el que incluso buscará el mejor lugar donde rodar un tiroteo y hará todo lo posible porque este tenga lugar, aunque tenga que empezarlo él mismo.
Lo mejor del film es el psicópata Chistopher Walken, que está enorme en esta historia de violencia gratuita y humor negro, al estilo de Perdidos en Brujas o El  Irlandés (película que comenté por aquí), con un discurso narrativo irregular que hace flojear la acción de la película y que parece la marca de la casa de los hermanos McDonagh.
Irene
 
Martin McDonagh siguiendo la línea comenzada en Escondidos en brujas no deja títere con cabeza. Escoge grandes actores de Hollywood quizás para atraer a un público al que mostrarle una historia que se sale totalmente de los cánones tradicionales. El resultado en un noir extravagante e insólito con unos personajes que se adaptan perfectamente a los papeles de psicópatas para ayudar a un escritor que no vende, a acabar su gran obra maestra. Con una predominante naranja, el escritor se verá inmerso en una venganza por el secuestro de un perro. Ya el argumento debería ya de por sí sorprendernos y ver a un gran jefe de la mafia local perseguir a los captores de su perro debería cuanto menos despertar nuestra curiosidad. Sin llegar a ser una gran película, MacDonagh consigue presentar un producto diferente, fresco y bastante sorprendente.
Silvia
 

LA COCINERA DEL PRESIDENTE (Les saveurs du palais) - Christian Vincent, 2012


Esta historia está basada en la vida real de Danièle Mazet-Delpeuch. En ella, unos periodistas australianos están en la base de una misión científica en la Antártida intentando rodar algo interesante cuando descubren que la cocinera de la base trabajó anteriormente en el Palacio del Elíseo como cocinera personal del Presidente de la República, François Mitterrand. Esto servirá como excusa para conocer la historia de Hortense Laborie, quien durante dos años preparó la comida del Presidente y de sus invitados más íntimos.
Hortense está terminando su estancia en la base, y después de un año trabajando allí, finalmente supo ganarse el cariño de aquellos para los que cocinaba. Esta es la parte más tonta, en la que hace que me pregunte ¿para qué me cuenta la historia de la cocinera en la Antártida? Si quiere mostrar su carácter, ya lo hizo de sobra mientras relataba la historia en el Elíseo. Si quiere reflejar la vida después de su paso por las cocinas del Presidente, falla miserablemente ya que se queda en lo anecdótico y no aporta nada.
Pero lo interesante de la historia es cuando Hortense trabajaba para Mitterrand. La cocinera tuvo que enfrentarse a la rivalidad del chef de la cocina principal, a las limitaciones del presupuesto impuestas por los miembros del gabinete y a las restricciones alimentarias que los médicos intentaban poner a la dieta de Mitterrand.
Pero su buen hacer en la cocina, en la que realizaba platos sencillos, abundantes y tradicionales, conquistó el paladar del Presidente hasta el punto que despertó su interés en conocerla y se forjó entre ellos una afinidad basada en estos gustos comunes por la vuelta a la sencillez de antaño.
Irene

R.I.P.D. DEPARTAMENTO DE POLICÍA MORTAL (RIPD: Rest in Peace Department) - Robert Schwentke, 2013

Es una mezcolanza de películas que hacen que tengamos la impresión de que ya la habíamos visto, pero no. Y es que el guión es básicamente Men in Black 4: tenemos a un nuevo recluta en un departamento de policía de lo paranormal al que juntan con un agente veterano y de vuelta de todo. Tanto vale para resumir una como otra, cambiando a Will Smith por Ryan Reynolds y a Tommy Lee Jones por Jeff Bridges. Y aunque Tommy Lee es mucho actorazo, el Bridges no lo hace del todo mal.
Por otro lado tenemos tintes de los Cazafantasmas, con un vórtice maligno en la azotea de un edificio que los agentes deberán desactivar para proteger a la chica y salvar el mundo de una catástrofe catastrófica.
No ganará el Oscar a la mejor película, o igual sí porque nunca se sabe con la Academia y sus extrañas decisiones (como aquella vez que pensaron: “no le dimos un premio a Orson Welles, porque tampoco es para tanto, pero a Marisa Tomei hay que galardonarla porque tiene un don interpretativo innato”). Pero le llega y le sobra para entretener durante un rato una aburrida tarde lluviosa.
Irene

lunes, 28 de octubre de 2013

LA PARTE DE LOS ÁNGELES (The angels’ share) – Ken Loach, 2012


El destino de Robbie, un joven escocés residente en Glasgow, parece el de ser un perdedor: se enfrenta con conflictos heredados de generaciones atrás en un barrio marginal donde la violencia y la traición son lo más común entre sus miembros. Al salir de la cárcel su vida no parece ir a mejor ya que, condenado de nuevo a servicios sociales, se junta con otros perdedores que, al igual que él, ven su vida condenada irremediablemente hacia la marginalidad.
Pero las segundas oportunidades se esconden donde menos se esperan, y en este caso será a través del whisky (uisge beatha), bebida con la que entran en contacto por medio de su supervisor de servicios sociales. Robbie descubre el valor del whisky, tanto por su precio en el mercado como por ser el medio para conseguir una nueva vida en la que comenzar de nuevo.
Otra entrega más del cine de realismo social de Ken Loach, ganadora del premio del jurado en el festival de Cannes, en la que el título se refiere al porcentaje de whisky que se evapora en su realización. 
Irene

lunes, 7 de octubre de 2013

O APÓSTOLO - Fernando Cortizo, 2012

Película de stop-motion en 3D desarrollada en Galicia, nominada y premiada en numerosos festivales y eventos a lo largo del mundo:
- Premio a mejor largometraje en el festival World Festival Animated Film Varna (Bulgaria)
- Premio a la mejor película de animación en el festival internacional de cine de Monterrey (México)
- Premio del público en el festival de Annecy (Francia)
- 6 premios Mestre Mateo, de la Academia audiovisual gallega: mejor película, mejor dirección, mejor música original, mejor dirección de producción, mejor sonido y mejor dirección artística
- Premio del público y premio a la mejor banda sonora en la Monstra de Lisboa
- Premio especial del jurado en Fantasporto
Y aparece en la sección oficial de numerosos festivales cinematográficos internacionales. 

La historia comienza con un par de presos que se fugan de la cárcel. La intención de uno de ellos al salir (Luis Tosar) es ir a un pueblo del Caurel, que visitó antes de entrar en prisión y donde escondió unas joyas, pero en la huida es el otro preso que le acompaña el que logra alcanzar la libertad (Carlos Blanco). Una vez fuera, se dirige a ese pueblo a por las joyas, pero allí se encuentra con un misterio que se produce todas las noches y que tendrá que resolver para poder salvar su vida.
La película trata temas muy locales, que a alguien de fuera de ámbito cultural gallego le costará entender en algunas ocasiones: la sierra perdida del Caurel, la Santa Compaña, los cruceiros, la peregrinación a Compostela,…
En la interactuación de los personajes se produce una mezcla idiomática característica, que refleja no sólo la procedencia de cada uno de los personajes sino también los estratos sociales a los que pertenecen o sus ocupaciones: la gente de aldea se expresa en gallego, mientras que los extranjeros (Geraldine Chaplin) y los miembros de la curia hablan en castellano. Y con diferentes registros según con quien se esté hablando: la deferencia que se tiene con los curas, el tuteo habitual entre los aldeanos, la jerga presidiaria,...
Los animadores desarrollaron similitudes entre el muñeco animado y el actor de doblaje que interpreta cada uno de los papeles. Para ello se cuenta con la pericia de los artistas y con las tomas previas, ya que la película fue rodada primero con los personajes reales que ponen las voces para captar gestos, posturas y otros matices, y convertida después a animación mediante la técnica del stop-motion, llevada a su punto álgido con las películas producidas por Tim Burton.

SPIRIT, EL CORCEL INDOMABLE (Spirit stallion of the Cimarron) - Kelly Asbury y Lorna Cook, 2002

Un caballo sin nombre, que ni falta que le hace porque es un caballo, es víctima de su propia curiosidad cuando se aleja de su manada para investigar sobre los humanos que hay en su territorio. La trama es bastante simple, y hace que me surgan un par de reflexiones:
SPIRIT VS EL REY LEÓN
Una no puede evitar compararla con otra película de animales, el Rey León. En ambas existe una más o menos leve humanización de los animales, para que el espectador se pueda identificar con los personajes y sea más fácil al público infantil entender los hábitos de comportamiento de las especies representadas.
Puestos a comparar esta humanización, en el Rey León los animales hablaban como si tal cosa, y a pesar de esto era bastante creíble. Sin embargo aquí no hablan, aunque podemos escuchar sus pensamientos, y aun así no es creíble.
EL CORCEL DOMABLE
A pesar del título, el caballo es domado tres veces a lo largo de la película:
1. Por el coronel maligno – lo amarra, lo deja sin comer ni beber atado a un poste, a las inclemencias del sol, hasta que es capaz de montarlo y que responda a sus órdenes. Este proceso de doma, así como la actitud del resto de los caballos del pelotón, son una imitación del Sargento de Hierro, la Teniente O´Neil, Oficial y Caballero y todo este tipo de subgénero relacionado con la dureza de la instrucción militar. El coronel maligno incluso se permite el lujo de dar una arenga a sus hombres sobre el caballo domado. Después el caballo se rebela, pero la arenga ya está dada.
2. Por el indígena coleguita – a diferencia del soldado maligno, el indio no lo amarra ni se impone a él para hacerse respetar, sino que interactúa con él e intenta comprenderle. Eso si, después de amarrarlo a la yegua que ya tiene previamente domada.
3. Por la yegua del indígena coleguita – y es que tiran más un par de tetas… Aunque en este caso sea una ubre con dos sistemas caniculares.

En definitiva, que en lugar de involucrarme en la trama y admirar las imágenes, como suele suceder con el Rey León, me pasé toda la película pensando: "anda, mira: un caballo con cejas!"
Irene